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LANA TURNER: esquecer nunca

26 dez

Reprises fílmicas não se fazem mais. Nos cinemas, não, mas nos canais pagos de televisão, sim. No Canal CURTA, por exemplo, já tive o prazer de ver duas ou três vezes o documentário sobre a vida da grande atriz do período clássico do cinema, Lana Turner (1921-1995).

E cada vez gosto mais. A duração é só sessenta minutos e, portanto, não se perdeu tempo com muitos detalhes irrisórios. Assim, a infância e adolescência são abreviadas para que se passe logo ao que interessa: a carreira e a vida dessa que foi uma das mais brilhantes estrelas da constelação clássica.

Nascida na pequena Wallace, estado de Idaho em 1921, logo a família pobre se muda para São Francisco em busca de trabalho, e em seguida, para Los Angeles. Um dia, tomando um refrigerante numa lanchonete, um figurão de Hollywood se aproxima dela e, encantado com seu charme de adolescente, lhe pergunta se ela não gostaria de trabalhar em cinema. “Tenho que perguntar a mamãe” – é a resposta sincera dessa mocinha interiorana e ingênua.

Bem, mamãe consente e o resto da estória a gente mais ou menos conhece. Com 16 anos de idade, roda o seu primeiro filme, em 1937, “Esquecer, nunca”, um drama leve dirigido pelo também produtor Melvyn LeRoy, para quem trabalha em outros filmes mais ou menos obscuros, até ser comprada pela MGM. Aí a coisa pega. Depois de seu ousado papel da amante criminosa em “O destino bate a sua porta” (“The postman always rings twice”, 1946), sua imagem na tela passa a ser familiar para o mundo inteiro.

Entre filmes de aventura (“Os três mosqueteiros, 1948) e melodramas (“É proibido amar”, 1951), vai moldando seu perfil de ´golden blonde´ de acordo com os preceitos da MGM, mas, chamará  mesmo a atenção da crítica ao fazer o dramático papel de uma atriz hollywoodiana em “Assim estava escrito” (“The bad and the beautiful”, 1952), grande filme do grande Vincente Minnelli.

No papel da imperiosa Constance McKenzy em “A caldeira do diabo” (“Peyton Place”, 1957) desperta a atenção da academia e recebe uma indicação ao Oscar. Outro desempenho que seus fãs lembram com carinho é o da mulher batalhadora de “Imitação da vida” (“Imitation of life”, 1959). Já madura, seu último grande desempenho foi como a mãe torturada pelo destino, no melodrama “Madame X”. Já a sua derradeira aparição nas telas, “A poção mágica” não significa nada, salvo decadência.

Mas claro, o documentário abrange a vida privada de Lana Turner, até porque, nela, carreira profissional e coisas pessoais estão inevitavelmente interligadas. Nisso ajuda o longo e sentido depoimento de sua única filha, hoje madura, Cheryl Crane, que relata, sem reservas mas também sem alarde, as questões mais intramuros.

E aí passamos a conhecer as relações amorosas de Lana.

Ao longo da vida a atriz famosa teve vários casamentos, quase todos desastrosos, e, no entanto, dentre os homens com que se envolveu, não houve ninguém mais amado que o ator Tyrone Power, com quem nunca casou. Ocorre que, quando estava o casal de namorados no auge da paixão, ele viaja para a Europa para filmar “O sol também se levanta” e, por lá mesmo, contrai matrimônio com outra pessoa. Depois ela viria a saber que tudo não passara de uma trama da MGM com a Fox (companhia de Tyrone Power), companhias rivais que não queriam que seus respectivos empregados mais famosos contraíssem matrimônio entre si, e assim, assumissem um poder de barganha perigoso para ambas as companhias. O fato é que, segundo sua filha, Lana nunca esqueceu Tyrone.

Um dos casamentos turbulentos da atriz foi com Lex Baxter, de quem Lana, quando interrogada, dizia que “gosto de ficar olhando para ele”. Mas certamente não estava olhando no dia em que o ex-Tarzan assediou sexualmente sua filha de 14 anos. E o resultado foi, mais um escândalo e mais um divórcio.

Ainda mais grave foi sua relação com o mafioso Johnny Stampanato, relação cheia de violência que terminou em crime. Vendo um dia a mãe sendo espancada pelo amante dentro de casa, a filha Cheryl nos seus 16 anos – sim, a mesma que depõe no documentário – agarra a faca de cozinha mais próxima e o perfura no abdômen: a morte é instantânea. Caso escandaloso, ocorrido em 1958, que quase encerra a carreira da atriz, só restabelecida pela sua aplaudida participação em “Imitação da vida”.

Enfim, como esta matéria saudosista é também uma homenagem, fecho-a com o título, já mencionado, do primeiro filme de Lana Turner: ESQUECER NUNCA.

Não é o que diríamos dela?

Com Kirk Douglas, em ASSIM ESTAVA ESCRITO

RELATO DE OFÉLIA

14 ago

Em Shakespeare, vocês lembram, o personagem de Ofélia é – apesar de seu poético poder sugestivo – ambíguo, fugidio, misterioso…

Já no filme da cineasta australiana Claire McCarthy, “Ofélia” (2018), a personagem é alçada à condição de protagonista que, sem papas na língua, conta ao espectador sua própria história, com todos os detalhes.

E que história é essa? Bem, no mínimo uma que nenhum leitor ou espectador da peça jamais imaginaria. Os personagens têm os mesmos nomes (Hamlet, Gertrudes, Claudio, Polônio, Laerte, Horácio, etc, o local é o mesmo, o Castelo de Elsinore, na Dinamarca medieval), porém, esses personagens não agem exatamente da mesma forma que conhecemos, o que equivale a dizer que não são exatamente os mesmos.

E, claro, a primeira e maior diferença actancial entre peça e filme recai sobre Ofélia. O filme começa com o seu corpo, boiando inerte nas águas do lago, rodeado de flores, porém – mais tarde saberemos – isto é só uma pista falsa.

Esta não é a circunstância de sua morte, e aí é que entra a narração em voz over, em primeira pessoa, ela mesma, vivinha da silva, relatando sua autobiografia, que se inicia quando ela, ainda adolescente, teria sido descoberta pela rainha Gertrudes e trazida à Corte de Elsinore, como dama de companhia.

Acontece, sim, o romance entre ela e o príncipe Hamlet, mas, com quanta diferença! O que vemos agora são dois apaixonados que mais lembram Romeu e Julieta, os dois se encontrando em locais furtivos e fazendo planos astuciosos para ficarem juntos. Muito longe da opaca e indefinida relação entre o casal da peça.

Não vou me dar ao trabalho de contar o enredo do filme, mas, para se ter uma ideia das transformações engendradas, basta ver como aquela frase de Hamlet, “vá para um convento”, dita a Ofélia como uma espécie sem sentido de insulto de uma mente desesperada, no filme não tem nada disso: com existência diegética, o tal convento aqui é uma dica bem definida do local em que o casal poderia se encontrar mais tarde, e, aliás, é o local concreto para onde se dirige Ofélia depois de tudo terminado, depois de todos mortos, com a invasão da Dinamarca pelo exército norueguês de Fortinbras.

Referi-me, acima, aos amantes de Verona, pois o que o filme de McCarthy tem de curioso são elementos de outras peças de Shakespeare, ironicamente contribuindo nas transformações. Como no caso de Julieta, é uma poção química “que adormece o corpo sem lhe tirar a vida” o que salva Ofélia da perseguição de Cláudio. A bruxa misteriosa que vive na floresta e que está na raiz da vida pregressa de Cláudio e, depois, no seu plano criminoso, foi, com certeza, arrancada de “Macbeth”, e o disfarce de Ofélia, cortando o cabelo para parecer masculina, vem de “Rei Lear” e de tantos outros textos shakespearianos.

Inevitavelmente, o filme tem muito menos hesitações morais (tipo “ser ou não ser”) e muito mais determinação de espírito, ação e violência, talvez para agradar às plateias de hoje em dia, acostumadas aos super-heróis invencíveis e nada ambíguos do cinema americano atual. É possível.

No grosso, o que fica evidente é que a diretora McCarthy não foi ao cânone para servi-lo; foi lá para ser servida e criar, para o bem ou para o mal, uma obra toda sua, supostamente nova. Vejam que, se a peça shakespeariana pertence ao gênero da tragédia, aqui o relato de Ofélia – em que pesem as mortes finais – termina com um final quase feliz: ela é acolhida pelas freiras do tal convento referido, e o derradeiro e belo fotograma a mostra praticamente venturosa, percorrendo um idílico prado verdejante, levando pela mão uma linda criança que – se deduz – deve ser filha do amante Hamlet. E com uma vida pela frente…

Para nós, espectadores, a questão é se o filme resultante valeu a pena ou não.

De minha parte, creio que não valeu, porém, deixo ao meu leitor a sugestão de assistir e decidir por conta própria. “O resto é silêncio”…

Daisy Ridley e George MacKay em OFÉLIA.

TODOS JÁ SABEM

25 jun

 

Do cineasta iraniano Asghar Farhadi eu conhecia apenas “Procurando Elly” (2009) e “A separação” (2011), dois bons filmes, com peso especial no elemento dramático e nas interpretações.

Lançado em fevereiro deste ano, agora me chega este “Todos já sabem” (“Everybody knows”), com a mesma ênfase no drama, e com o mesmo recurso de manter o fator que a ele conduz na posição estratégica de um mero pretexto, quase um ´macguffin´, como diria no seu tempo um esperto Hitchcock.

Nessa aldeia, nos arredores de Madri, uma família que já foi abastada no passado, proprietária de vinhedos, vai festejar o casamento de um de seus parentes. Para participar, chega da Argentina, Laura (Penélope Cruz) e duas filhas, uma pequena e uma adolescente, Irene (Carla Campra). Ficam na mansão do pai e avô, um patriarca amargo e rabugento que não se conforma com a decadência.

A festa decorre na normalidade, com muita gente, muita comida e muita música, sem que nada demais aconteça, até parecendo um filme de Robert Altman. Esse clima Altman, porém, não dura muito: finda a festa, Laura vai ao quarto da filha, que bebera e não se sentira muito bem, e não consegue abrir a porta. O vizinho e amigo da família, Paco (Javier Bardem) acode, força a porta, mas não há ninguém no quarto. Pelos recortes de jornais deixados na cama, fica-se sabendo que o caso era de sequestro, não havia dúvidas.

A partir daí começam a busca, as dúvidas e, claro, o drama, muito drama. Quem teria sequestrado a adolescente de dezesseis anos? Onde conseguir o dinheiro para o resgate? Chamar a polícia, ou não? Aqui não interessa relatar o enredo, mas digamos apenas que – como sugere o título do filme – está tudo em família.

O primeiro sintoma disso – digo, de que está tudo em família – já vem contido numa das cenas iniciais. Enquanto a cerimônia de casamento decorre na igreja, a jovem Irene e seu eventual paquera escapam do maçante ritual religioso e sobem ao velho campanário da igreja, onde o rapaz lhe mostra uma inscrição na parede: duas letras, L P, que, supostamente, indiciariam o nome da mãe dela, Laura, e o de Paco, o homem que Irene conhece apenas como amigo da família. A moça não se impressiona com isso, mas, quando, irresponsavelmente, se pendura nas cordas e faz os sinos soarem para toda a aldeia ouvir, é como se, sem saber ou querer, estivesse divulgando o que “todos já sabem”.

Na cena quase final, depois de resgatada dos sequestradores, quando ela, no banco de trás do carro, ainda abatida, pergunta ao pai por que foi Paco que a resgatou, deve ter sido aquela inscrição na torre do campanário o que lhe veio à mente.

Até certo ponto o filme tem uma atmosfera de “whodunit” (ou seja, de mistério em torno da autoria de um crime a ser desvendado), porém, como já sugerido, o mais interessante é o drama que se desenrola entre os parentes e conhecidos, drama este que muito exige dos atores, em especial de Cruz (a esposa que é levada a revelar “um pulo fora do trilho”), de Bardem (o ex-amante que descobre uma paternidade inesperada) e de Ricardo Darín (um marido que deve agora lidar com o ex-amante da esposa, para a salvação de uma filha que não é sua).

Na maior parte do tempo, o filme – jogando um personagem contra o outro, cada um com suas motivações e suas interpretações dos fatos – sustenta essa tensão dramática que prende a atenção do espectador e lhe dá a sensação de estar assistindo a um filme de qualidade. Na meia hora final, porém, justamente quando o ponto de vista narrativo sai da limitação ao círculo das vítimas, e passa, oniscientemente, ao território dos algozes, essa tensão diminui e por pouco não estraga o conjunto.

Ainda bem que a derradeira cena salva o filme.

Aquela na praça da aldeia, onde uma personagem até então obscura convida o cônjuge para uma conversa a dois. A cena se fecha na interrupção do diálogo entre os dois, quando os garis, limpando tudo em torno com fortes jatos d´água, literalmente apagam as imagens, deixando a tela completamente em branco, pronta para os créditos finais. Não sabemos, mas adivinhamos, o que a esposa dirá ao marido, e a implicação do diálogo interrompido pela mágica dos garis seria a de que, não apenas a estória não terminou, como provavelmente não há resolução para ela.

Ou, se for o caso, a resolução fica com o espectador.

Gostei de ter visto e recomento.